Forme della memoria di Nino Portoghese

Dopo un lungo periodo di silenzio, di riflessione e di lavoro ritorna con un’esposizione personale, Angelo Cortese, uno dei pittori aretusei più discreti e riservati. La sua raffinata sensibilità pittorica, comunque attraversata dai fenomeni sociali e culturali del ‘900, non scade mai nel virtuosismo, nella leziosità accattivante, nella banale ripetizione dell’incomprensibile informale di tanta arte contemporanea, ma si muove sempre intorno ad un centro e racconta di un suo personale percorso interiore, che parte dal segno, delicatissimo e intenso. La cultura contemporanea esprime una profonda crisi della ragione che stenta a giustificare ontologicamente l’esistenza e le potenzialità dell’individuo. Tutto ciò nasce da una crisi di identità dell’Io nella post-modernità e con un moto circolare, dopo aver attraversato tutti i settori della vita sociale (dalla famiglia alla scuola, dalla politica all’economia e alla religione) ritorna al soggetto, provocando un senso ulteriore di vertigine e di smarrimento. In questa complessa probelmatica si inserisce l’ultima produzione artistica di Cortese: rivisitare, cioè, dare nuovo colore ai frammenti della memoria per ridisegnare i contorni dell’Io. Questo non è un compito facile! Non basta mettersi davanti allo specchio, evocare momenti del passato, sfogliare l’album di famiglia. Una volta aperta la porta del proprio Io, bisogna sapere cosa cercare e come cercare dentro di sé. Occorrono gli strumenti adatti. In tanti anni di studi seri personali, indagando nelle filosofie orientali, nella mistica, nelle opere del pensiero cristiano progressista alla luce delle più moderne conquiste del pensiero scientifico, Angelo Cortese ha raffinato sempre più le sue conoscenze sull’energia psichica ed ha personalizzato la sua tavolozza. Se l’individuo è un evento, come dice certa filosofia contemporanea, Angelo Cortese, attraverso la serie delle sue opere più recenti, ci dice: io sono la mia memoria. Se la figura ha la fissità dell’istante fotografico, è la presenza dell’oggetto a riproporre l’intensita dell’emozione; la poetica degli oggetti non è, quindi operazione nostalgica ma presenza, che ripropone un vissuto di cui riappropiarsi definitivamente. Un bambino con accanto la presenza rassicurante della madre, sullo sfondo un cavvallo a dondolo…un iridiscente abito di tulle…una palla di pezza…un bambino seduto per terra ai piedi di un muro, da cui scende lussureggiante una folta vegetazione in forme quasi antorpomorfe, mentre una fessura sul muro fa intravedere misteriosi spazi di un futuro ancora lontano… Al di sotto di tutte queste immagini che scorrono in sequenza c’è sempre il disegno, deposito cristallizzato, segno-gesto veloce che traduce la musicalità del sentire. È più interessante attraversare la materia, la corporeità, che raggiungere un fine, perché questo è il compito dello spirito: trascinare tutto il peso del sensibile verso la consapevolezza e la luce. Le immagini del passato diventano, così, icone della memoria. In quest’ottica l’invenzione è pericolosa perché rischia di scadere nell’arte per l’arte, porta a fantasticare lontano dalla realtà; il modello-forma rivisitato, riattualizzato è, invece materia che contiene in sé la tensione del divenire. L’ansia del momento creativo diventa il dramma dell’attraversamento non risolto per la fretta di approdare a zone superiori di coscienza. L’atto creativo, pertanto, acquista il sapore di un recupero cosciente di attraversamenti mancati, di di evitati rimorsi, frettolosamente risolti. Conoscersi, evolversi, creare significa atturare pienamente l’incarnazione: bisogno di acquistare un corpo per conoscere-attraversare il vivente. Mentre nelle filosofie orientali la via del Nirvana è intesa come rifiuto della sofferenza, delle passioni e, quindi, della fisicità, nelle opere di Cortese il valore cristico è inteso come attraversamento, assunzione della fisicità e della sofferenza affinchè la materia si liberi via via della pesantezza e permetta che dal nuovo utero esca quell’unità psico-fisica, di cui la memoria è il bagaglio essenziale che consente questa rinascita. Si può dire che è la luce la vera protagonista nell’ultima produzione di Cortese, una luce che apparentemente dissolve ed invece lega tutto. È così nel giardino della memoria (opera seconda). Qui è la luce a creare un’atmosfera di sognante evocazione, una luce calda che illumina i dettagli e ne accende i colori dai toni tiepoleschi. Una luce che accarezza e rende uniformi pietra, fiori, personaggi ma non tanto da annullarne le varie identità. Costruire una serie di immagini e poi, con la tecnica della dissolvenza, far sì che tutto diventi un'unica cosa. In questa distillazione bisogna, cercare l’essenza stessa dell’Io, perché nell’attraversamento dell’immagine-metafora c’è la possibilità della riappacificazione con sé stessi. In tutte le opere il senso del mistero si materializza ora sottoforma di luce irreale, ora come folta e inquietante vegetazione, oppure come messaggio cifrato. Strane e incomprensibili scritte, graffiate e logorate dal tempo che traducono un ordine arcano ed arcaico, qualcosa che viene da lontano, in cui si avverte un ordine che resta, però, indecifrabile. Si potrebbe definire come un segno musicale inciso: Il verbo, la Parola di Dio è musica che stratificandosi crea le forme, al modo dei mantra induisti. Musicalità-immagine è non solo vibrazione ma vibrazione visualizzata. Permane, allora, il senso del mistero nelle cose, mai velate e mai chiarite, che viene a costituirsi come un orizzonte di senso di un’ontologia che tutto ingloba, tutto racchiude; passato e presente, razionale e sovrarazionale, immanente e trascendente, infanzia e maturità.